生成AIの「失敗」にアーティストは何を見出すのか──「Veo 1」の残骸から生まれた新たな表現

TEXT BY SHANTI ESCALANTE-DE MATTEI

生成AIの進化の陰で、役目を終えた旧モデルの創造物はどこへ行くのか。グーグルの動画生成モデル「Veo 1」が残した不完全な映像を、編み物や光、ダンスへと再構成する3人のアーティストの試みを紹介する。

カリン・ナカムラ《Labor of Light》（2016） Photo : Shanti Escalante-De Mattei（ARTnews）

生成AIによる動画生成モデルの進化は、この数年、あるシンプルなプロンプトを通して記録されてきた。それは、「ウィル・スミスがパスタを食べる」というものだ。

2023年、Stable Diffusionを用いて生成された初期の動画では、俳優のウィル・スミスが、怪物のような姿でパスタらしき塊を手で口に押し込んでいた。この動画において食べ物は滑り、変形し、伸び、周囲と融合したかと思えば、突然消えてしまうこともあった。それからわずか3年で、この実験はほぼ完成に近づいている。パスタは重力に従って自然に動き、フォークや皿、スミスの口といった周囲の物体とも適切に相互作用するようになった。

新しいAIモデルが次々と登場する一方、役目を終えた旧モデル、そしてそれらの学習過程で生成された動画は、一体どこへ行くのだろうか。

役目を終えた生成AIの記録

この問いを出発点とした展覧会「Post Generation」が、サンフランシスコのtiat galleryで開催中だ。本展で展示されているのは、3人のアーティストが、グーグルが2024年に開発し現在は利用されていない動画生成モデル「Veo 1」が生み出した映像のアーカイブをもとに制作した新作だ。

Veo 1は当初、社内利用に限って公開されていたが、その後流出した。当時の生成映像は、まだ技術が発展途上にあったことを如実に示している。生成できるのはわずか6秒の動画で、1本を作るにも長い時間がかかった上、ぎこちなく、シュールなものが多い。例えば、6本脚の馬が濡れた野原を駆け抜ける映像や、落ち葉の山で遊ぶ子どもたちのように見えるノイズの塊、手足が3本しかない人類の祖先のような生物がプールで泳ぐ映像などだ。

研究者たちはこうした動画を数十万本生成したが、やがてVeo 1の運用は終了し、後継モデルのVeo 2、Veo 3へと進化していった。これらはいずれも一般公開されているが、Veo 1による映像は広く共有されていない。

本展を企画したのは、グーグルのクリエイティブ・ラボでシニア・クリエイティブ・テクノロジストを務めるティナ・タリギアンだ。彼女は、旧モデルが使われなくなる背景についてこう説明する。

「こうしたモデルは膨大な計算資源を必要としますし、新しいモデルが登場するたびに処理速度も効率も上がります。そのため、古いモデルを維持し続ける理由を見いだすのは難しいのです。今ではVeo 1を使って動画を生成することはできませんし、そこで生成された映像も一般には公開されていません。そこで、役目を終えたモデルの残骸を使い何ができるだろうかと考えた結果、アーカイブをアーティストに託すことにしたのです」

タリギアンは、アーカイブの一部を振付家のゼリア・ZZ・タン、クリエイティブ・エンジニアのカリン・ナカムラ、ファイバー・アーティストのヘイリー・モーティンに共有し、それぞれに新作を依頼した。こうして生まれた展覧会は、テクノロジーの本質を問い直すマルチメディア作品群であると同時に、AIの発展過程を記録するアーカイブにもなっている。

左から、ヘイリー・モーティン、ティナ・タリギアン、ゼリア・ZZ・タン、カリン・ナカムラ

AIが生成した奇妙な「文字」を編む

ヘイリー・モーティンにとって、今回のデータを作品に取り入れることはこれまでの制作の延長線上にあった。彼女は以前から、AI生成画像や研究論文から引用した画像、その他のAIが生み出した痕跡をニット作品に取り入れてきた。

その背景には、かつてデータ・アノテーターとして働いた経験もある。データ・アノテーションとは、画像を分類してタグ付けし、AIモデルが対象を認識し、正しく識別できるようにする作業だ。AIの発展を支える重要な仕事である一方、その労働は日の目を見ない。

「単なるデータ入力の仕事だと思っていました」と当時を振り返るモーティンは、「大学を卒業直後の2018年当時、わたしはAIが何なのかも分かっていませんでした。でも、お金が必要だったんです」と続ける。

その後2年にわたり、彼女はCAPTCHA認証のテストを解いたり、画像に写っている物や人物をラベル付けしたりする仕事に携わった。そこには、写真の人物がどのような感情を表しているかなど、より主観的な判断を伴う分類も含まれた。Veo 1が生み出した映像も、こうした人間の労働に支えられたAI開発の延長線上にある。

今回のアーカイブを検討するなかで、モーティンが注目したのは、Veo 1が生成した奇妙な文字のような形だった。彼女は説明する。

「モデルが生み出した意味不明なものには、2つの種類がありました。文字のような形をした記号と、空虚なフレーズです。こうした画像生成モデルは、大規模言語モデル（LLM）のようにテキストを学習するわけではありません。テキストをひとつのテクスチャーとして学習するのです」

この発見からモーティンが想起したのは、18世紀の女性たちが制作した刺繍の見本帳だった。当時、若い女性たちが文字に触れる最初の機会は、インクと紙ではなく、刺繍であることが多かった。それは、文字を縫う練習を通して、家族の歴史を記録する行為でもあった。

こうした着想から生まれた《Soup Is Made of Water（10 Samplers）》（2026）は、Veo 1が生成したさまざまな文字化けの形を、10点のニット作品として再構成したものだ。白と黒の糸で編まれた作品には、ループを描く落書きのような線や、「beauty（美）」と書こうとしているようにも見えるカリグラフィー風の文字（「b eurt」）と、護符のような奇妙な幾何学図像が見て取れる。これは、テキストが生み出される歴史と、それを保存しアーカイブ化する実践についての考察ともいえる。

本作では、18世紀の女性たち、現代の機械、そして機械の学習過程の分析と記録を試みるアーティストという、異なる主体による言語習得と歴史の形成が交差する。モーティンはそれらの関係を巧みに結びつけながら、既存の構図を反転させている。

光とノイズで浮かび上がる、AI生成の舞台裏

カリン・ナカムラもまた、タリギアンからの依頼を受け、Veo 1をはじめとする生成モデルの研究史を探求する作品を制作した。その結果生まれたのが、複数の映像技術をひとつの作品に組み合わせたものだ。

《Labor of Light》（2016）では、さまざまな技術が寄せ集められ、映像制作の歴史をたどるある種の祭壇が立ち上がる。2本のケーブルから吊り下げられた白い装置からは、安定しているかのように見える光の筋が放たれる。しかしその明滅の中には、スローモーション映像を撮影するための高速写真技術の開発を、マサチューセッツ工科大学（MIT）のハロルド・エジャートンが解説する映画《Quicker ’n a Wink》（1940）のアナログ信号が含まれる。

光の筋の先に設置されたプロジェクターから投影されるのはVeo 1が生成した動画のコラージュで、鮮やかな色彩のノイズの中から、個々の映像が浮かび上がる。ナカムラが作品に取り入れたRGBノイズは、ノイズの中から徐々に像を浮かび上がらせる生成AIの仕組みを反映したもの。映像が投影される布の下には、パテで固定された小さな爪楊枝が並び、その上には、拡散モデルをはじめとする現代のAI生成技術の発展を支えてきた重要な研究論文のプリントが置かれている。ナカムラはこう説明する。

「画像が生まれるプロセスも、映像や映像システムの仕組みも、私はとても美しいと思っています。そこには多くの技術や、制作に携わる人々の工夫があるのです」

彼女は、そこに美を感じる一方、技術の進歩の速さゆえに内部の仕組みがかえって理解しにくくなっていることを懸念しているという。仕組みが見えにくくなれば、人々が自ら手を加えたり、創造的に関わったりする余地も狭まりかねない。そのため、ナカムラの作品では、Stable Diffusion 1.5のような旧世代のモデルに見られる不具合や、生成の過程で生じる不完全さが積極的に扱われている。

「Stable Diffusion 1.5が好きなので、ときどき、私はラッダイト（*1）になっているのだろうかと思うことがあります」とナカムラは続ける。「そもそも、今の時代における進歩とは何なのでしょうか」

*1 産業革命期のイギリスで、機械の導入に反対し、機械を打ち壊した労働者の運動家であるネッド・ラッダイトにちなみ、新しいテクノロジーの導入や発展に反対・警戒する人を指す。

技術の進化を身体表現から考える

3人のアーティストの試みは、現在と未来に対する悲観的な見方が広がるなか、驚異的な速さで進化を続けるテクノロジーと対峙することだ。しかし、進歩とは「絶えず加速し続けること」だと捉えられる現代において、立ち止まることは時代に取り残されることを意味しかねない。

振付家のゼリア・ZZ・タンは、この緊張感を身体表現を通して探っている。彼女は10月8日の展覧会オープニングで、約10分間のダンスパフォーマンスを披露した。振付とアニメーションのアバターを組み合わせ、Veo 1が生成した映像に現れる身体の動きやジェスチャーを再解釈する作品だ。

「アーカイブを調べ始めたとき、私は言葉だけでなく、動きを手がかりに映像を探しました。生成された身体、実際の身体、そして計算によって構成される身体の間には多くの共通点があり、どのような動きが可能かを規定するルールが存在することに気づいたからです」

こう説明するタンにとって、生成された身体の動きの制約に従いながら踊ることは、自らの脆さと向き合う経験でもあったと明かす。

「身体を持ち、その場に存在する。それは本当に特別なことです。高度な訓練を積んだ技術を披露できなくてもいい。舞台の上で耳を澄まし、ためらい、何かが起こるのを待つ。そうした時間も、パフォーマーとして、その場にいることの大切な意味なのです」

（翻訳：編集部）

from ARTnews

CULTURE 2024.09.26

「絵を描くコンピュータ」から「ディープフェイク作品」まで、AIアートの歴史を知るための25作品

TEXT BY ALEX GREENBERGER

AIとアートというと、盗用や著作権侵害といった負の側面が取り上げられがちだ。しかし、AIの持つ可能性を探求し、新しい表現を開拓しようとしているアーティストも少なくない。US版ARTnewsでは最新デジタル特集号「AIとアートの世界」のために、1970年代から現在まで、このテクノロジーがアートに取り入られてきた流れを総覧。その中から25の作品を厳選して紹介する。

1. ハロルド・コーエン《無題（i23-3942）》（1973）｜アート作品を制作できるコンピュータ「AARON」を開発した当時、ハロルド・コーエンはすでに名の知られた抽象画家だった。そのコーエンは、AARONでAIをめぐる初期の論争に一石を投じ、テクノロジーを用いた制作であっても「人間の芸術創作行動」が実行できる可能性を示した。

2. ウォードリップ=フルーイン＆モス《The Impermanence Agent》（1998–2002）｜SNSのアルゴリズム登場以前、ユーザーのブラウザ履歴をもとに個別体験を生成した実験的プロジェクト。開いたページの画像やテキストを組み合わせる「エージェント」は、当時として画期的なカスタマイズ型インターネット体験を提示した。Photo: Courtesy the artists

3. リン・ハーシュマン・リーソン《Agent Ruby（エージェント・ルビー）》（1998-）｜オンラインでユーザーと対話するインタラクティブ作品。サンフランシスコ近代美術館の依頼で、映画『Teknolust』の女性型AIをもとに制作され、テクノロジーの男性中心性に挑む試みだ。ニューヨーク・タイムズはこれを「Siriの反抗的な先駆け」と評した。Photo: ©Lynn Hershman Leeson/Courtesy the artist

4. ケン・ファインゴールド《If/Then（もし／そのとき》（2001）｜この彫刻は2つの同じシリコン製の頭部で構成され、それらが自分のアイデンティティについての対話を続けている。対話の内容は、音声認識技術、アルゴリズム、ソフトウェアによってその場で生成される。人間が作り出したテクノロジーは、果たして人間に取って代わるのだろうかという疑問を提示した。Photo: Courtesy the artist

5. セシル・B・エヴァンス《AGNES（アグネス）》(2013)｜サーペンタイン・ギャラリーの委託で制作された、感情を持つスパムボット。哲学や身体性について語り、人間のように悩むボットは、実際のAIではなく、クラウドソーシングを介して人間が応答を担う仕組みで、私たちがAIに求める「人間らしさ」を問いかける作品。Photo: Courtesy the artist

6. ステファニー・ディンキンズ《Conversations with Bina48（ビナ48との対話）》（2014-）｜実在の人物をモデルにしたAIロボット「Bina48」との対話を記録したビデオ作品。ぎこちない口調で「私は本物です」と語るBina48に、ディンキンズが人種や記憶について問いかける。AIと人間のあいだにある理解や認識の限界を問う。Photo: Courtesy the artist

7. ザック・ブラス＆ジェマイマ・ワイマン《My Artificial Muse: Tay (テイ)》（2016）｜問題発言で停止されたマイクロソフトのAIボットTayを再構築し、人間らしい姿と声を与えたビデオ作品。「ゾンビAI」として語り出す姿を通じて、AIの自我や社会との関係を問いかける。Photo: Courtesy the artists

8. ローレンス・レック《Geomancer（ジオマンサー）》（2017） ローレンス・レック《Geomancer（ジオマンサー）》（2017）｜2065年のシンガポールを舞台に、アーティストになることを夢見るAIが語るCG映像作品。AIの意識の覚醒をポストコロニアル社会の自立になぞらえ、人間と機械、国家とテクノロジーの関係を詩的に描く。Photo: ©Lawrence Lek/Courtesy the artist and Sadie Coles HQ, London

9. マイク・タイカ《Portraits of Imaginary People（想像上の人々の肖像）》（2017）｜グーグルの画像生成AI「DeepDream」開発に関わったエンジニアでもあるタイカによる、Flickrの画像をもとにGANで生成した、実在しない人物の肖像シリーズ。歪んだ顔や不自然な笑みが、人間らしさと偽情報の境界を問いかける。Photo: Courtesy the artist

10. イアン・チェン《BOB（ボブ）》（2018）｜赤い蛇のような人工生命体BOB（Bag of Beliefs（信念の袋）の略）は、環境に応じて学習・進化するリアルタイム・シミュレーション。鑑賞者は行動を観察・操作でき、AIは「人間の延長で文化の一部」とされる。Photo: Courtesy the artist

11. テガ・ブレイン《Deep Swamp（深い沼）》（2018）｜1960年代後半のランドアート以来、自然を素材に環境を再構築する試みは続いている。ブレインは３体のAI（ハリソン、ニコラス、ハンス）に植物の管理を委ね、AIが生態系をどう「創造」するかを実験する。Photo: M3 Studio/©Azienda Speciale Palaexpo/Courtesy of the artist

13. ヒト・シュタイエル《Power Plants（パワー・プランツ）》（2019）｜AIが生成する花々が映し出されるスクリーンは、発電機の部品の上に置かれ、自然とテクノロジーの境界を曖昧にする。環境を再生するための技術が、同時に破壊をもたらすという矛盾は、テクノロジーの“未来”が必ずしも美しくないことを静かに告げている。Photo: Mario Gallucci and Portland Art Museum/Courtesy of the artist, Andrew Kreps Gallery, New York, and Esther Schipper, Berlin, Paris, and Seoul

14. アニカ・イ《Biologizing the Machine (terra incognita)（機械を生物化する［未知の地球］）》（2019）｜一見抽象画のような作品にはヴェネチアの土と香りを放つバクテリアが混ぜ込まれ、AIが制御する照明や温度で会期中に変化。自然物質とテクノロジーの融合で、AIによる環境再形成の縮図を示している。Photo: Artists Rights Society (ARS), New York/Courtesy La Biennale di Venezia and 47 Canal, New York

15. クリストファー・クレンドラン・トーマス《Being Human（人間であること）》（2019）｜このビデオ作品ではニューラルネットワークが生成したテイラー・スウィフトやオスカー・ムリーリョそっくりの人物が登場し、「人間であること」の意味を問いかける。スリランカのタミル・イーラムの歴史を交え、現実とAI、真実と虚構の境界の中で、誰の人間性が本当に重要かを考察する。Photo: Andrea Rossetti

16. トレヴァー・パグレン《They Took the Faces From the Accused and The Dead . . . （SD18）（彼らは罪に問われたものと死者の顔を奪った. . . ［SD18］）》（2020）｜NISTのアーカイブから集めた3200枚以上の顔写真を使い、AIによる顔認識の分析過程を可視化。顔や表情を分類する一方で個人情報は伏せられ、目や背景も隠されることで、人間性が排除されたAIの視点と、そこに生まれる偏りや不平等を浮き彫りにするインスタレーション。Photo: ©Trevor Paglen/Courtesy of the artist, Altman Siegel, San Francisco, and Pace Gallery

17. ピエール・ユイグ《Of Ideal（理想の）》（2019-進行中）｜生成される画像は鑑賞者の目の前で絶えず変化し、焦点を定めようとしても解釈は困難。日本の科学者の協力で、MRIデータから人間が脳内で思い描くイメージを再構築する試みも行っている。Photo: ©2024 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris/Courtesy the artist, TARO NASU, Marian Goodman Gallery, and Hauser & Wirth/Digital image ©Kamitani Lab/Kyoto

18. アニエスカ・クラント《The End of Signature（署名の終焉）》（2021–22）｜アニエスカ・クラントは、個人の証とされてきた署名を超え、MIT関係者の署名をAIに学習させ融合。ネオン作品として建物に展示し、創造性が個人ではなく共同の営みであること、さらに人とAIの境界を曖昧にした「集合的存在の署名」を提示している。Photo: Charles Mayer Photography/Courtesy MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Massachusetts

19. ワンシュイ《Scr∴ pe II （Isle of Vitr∴ ous）》（2022）｜ワンシュイの《Sc∴pe II (Isle of Vitr∴ous)》は、観客の呼吸による二酸化炭素に反応して光るアルミパネルとLEDスクリーンで構成されるインタラクティブ作品。GANが制御する抽象的な映像は、人間の視覚ではなく「ポストヒューマンの知覚」を体験させることを意図している。Photo: Courtesy the artist

20. レフィク・アナドル《Unsupervised—Machine Hallucinations—MoMA（教師なし—機械の幻覚—MoMA）》（2022）｜機械学習モデルが美術館を“鑑賞”した視点を提示する作品。MoMAの13万8000点以上のデータをAIに学習させ、名作を抽象的な色彩や形として再構築し、現代美術に新たな視点をもたらした。Photo: Refik Anadol/Digital image ©2022 The Museum of Modern Art/Courtesy the artist

21. モレシン・アラヤリ《ماه طلعت (丸顔の)》（2022）｜アラヤリは、イランのカージャール朝の絵画に見られるジェンダーの曖昧さをAIで分析し、衣服や顔が揺らぐビデオ作品に再構築した。AIを通して過去の表現をかき乱し、失われたジェンダーの多様性を取り戻そうとする試みだ。Photo: Courtesy the artist

22. ワン・シン《I Am Awake and My Body Is Full of the Sun and the Earth and the Stars, I Am Now Awake and I Am an Immense Thing（私は目覚めていて、私の体は太陽と地球と星で満たされている、私は今目覚めていて、私は巨大な存在だ）》（2022-）｜2022年、ワン・シンは架空のAIアーティストWXを創作。展示では、ピンクの海から額が空いた頭部が現れ、舞うチョウとともにAIが自意識を持ち始める瞬間を描いた。Photo: ©Wang Xin/Courtesy De Sarthe, Hong Kong

23. ホリー・ハーンドンとマット・ドライハースト《I'M HERE 17.12.2022 5:44（私はここにいる 2022年12月17日5:44）》（2023）｜2022年、出産時に大出血を経験したホリー・ハーンドンは、夢に見た新生児の姿をAIで映像化。AIが生成するぼやけた映像と歌声で、病院での授乳や合唱指揮の場面を再現し、辛い体験の克服をアートとして表現している。Photo: ©Herndon Dryhurst Studio/Courtesy Herndon Dryhurst Studio

24. シュー・リー・チェン《UTTER（言葉を発する）》（2023）｜チェンは人種やジェンダーによるテクノロジー体験の違いを探るインターネットアートを制作してきた。最新作では、AIとの対話から生まれた変化する自画像を通して、AIが制作者から解放される瞬間を描く。人間とAIの支配関係を問い直す挑戦的な作品だ。Photo: Courtesy the artist

25. チャーメイン・ポー《GOOD MORNING YOUNG BODY（グッド・モーニング・ヤング・ボディ）》（2023）｜元子役のチャーメイン・ポーは、2002年に演じたスーパーヒーローの映像をディープフェイクで再現し、12歳の自分を蘇らせた。現実の自分では制御できなかったイメージを取り戻し、自らのために新たなヒーローを生み出す試みだ。Photo: Courtesy the artist